Bekannte Instrumentalsolistinnen und -solisten stellen neue und neueste Werke in einem kommentierten Kurzkonzert vor. Ein Gespräch mit Marcus Weiss ergänzt den musikalischen Teil. So werden die sechs einstündigen Rezitals zu intensiven Begegnungen.

Am Tag nach dem Konzert geben einige der Gäste Masterclasses für Studierende der Hochschule.

16.11.2020, Anssi Karttunen, Violoncello (17.11., 10.00-16.00 Uhr,  Masterclass)
14.12.2020, Camilla Hoitenga, Flöte (15.12., 10.00-17.00 Uhr, Studio 2, Masterclass/Workshop)
11.01.2021, Andrea Neumann, Improvisation
08.03.2021, Barbara Maurer, Viola (9.3., 10.00-16.00 Uhr, Masterclass)
19.04.2021, Yaron Deutsch, E-Gitarre (20.4., 10.00-16.00 Uhr, Masterclass Neue Musik)
10.05.2021, Rei Nakamura, Klavier (11.5., 10.00-16.00 Uhr, Masterclass)

Beginn: jeweils 20.00 Uhr

Gare du Nord, Bahnhof für Neue Musik
Schwarzwaldallee 200 (im Badischen Bahnhof)  CH-4058 Basel 
T + 41 61 683 13 13 www.garedunord.ch

Preis: CHF 15.– (Freier Eintritt für Studierende der Hochschule für Musik FHNW)

Ablauf
1. Zu Semesterbeginn wird ein Call an alle Teilnehmenden geschickt.
2. Bildung von Gruppen und Zuteilung eines/r Dozierenden aus dem sonic space basel-Team, der/die den Prozess begleitet.
3. Die Ergebnisse werden im Konzert präsentiert.

Daten
Teil 1: 22.09.2020, 14:30-16:00, Klaus Linder-Saal: kick-off meeting und Seminar zum Thema mit allen Beteiligten.

Teil 2: Ende November werden Idee ausprobiert, Skizzen gespielt/vorgeführt und im Team diskutiert.

Teil 3: Am 12.04.2021, 19:30, Grosser Saal werden die Ergebnisse im Rahmen des AKUT Konzerts präsentiert. 

Das Projekt ist offen für alle Studierenden Komposition, Performance zeitgenössische Musik, Improvisation und Audiodesign

Die Stimme stellt uns mit ihrer Fähigkeit, sich fließend zwischen Musik und Sprache, zwischen Klang und Bedeutung zu bewegen beim Improvisieren vor ganz spezifische Entscheidungen.
Ziel des Workshops ist es, ein Bewußtsein zu entwickeln für die klanglichen Möglichkeiten und Eigenheiten der Stimme und diese in der Gruppe, solo oder zusammen mit dem Instrument entschieden einzusetzen.
In Übungen, freien Improvisationen und Gesprächen arbeiten wir einerseits an der Resonanz des Körpers in seinen Schwingungs- und Richtungsqualitäten (durch Füße, Rücken, etc.), und andererseits an Fragen der vokalen und musikalischen Gestaltung.

Gesangliche Vorkenntnisse sind nicht nötig. Für Hauptfach-Studierende Improvisation obligatorisch. Max. 12-15 Teilnehmerinnen/Teilnehmer

Der Kurs «Konzertprojekte konzipieren und präsentieren» gibt Einblicke in aktuelle Theorien und Forschungen im Bereich der Konzertstudien. Anhand von unterschiedlichen, exemplarischen Konzertformaten der Gegenwart werden Aspekte wie Aufführungsformat, Präsenz, Performativität, Inszenierung, Rezeptions- und Interaktionsverhalten des Publikums analysiert.
Expert*innen geben Einblicke in eigene Erfahrungen aus der Berufspraxis als freischaffender Musiker und Leiter eigener Konzertprojekte, als Musikkuratorin und Journalistin, als Fördergeber oder als künstlerische Leiterin von Musikvermittlungsprojekten. Der Kurs vermittelt praktische Kenntnisse und Fähigkeiten zur dramaturgischen und kuratorischen Konzeption und Präsentation von eigenen Konzertprojekten in schriftlicher und mündlicher Form, die den TeilnehmerInnen im Rahmen ihrer späteren Berufspraxis dienen sollen. Voraussetzung für die Teilnahme ist, eine eigene Projektidee mitzubringen, welche im Rahmen des Kurses diskutiert und ausgearbeitet werden soll.

Der Kurs richtet sich an Studierende im MA Musikpädagogik, MA SP Improvisation, MA SP Zeitgenössische Musik, MA und MA SP Komposition, MA Audiodesign
Für die MA MP-Studierenden des 2. Jahres, die mit einem Projektrezital abschliessen werden (alle Zweitmaster), ist dieser Kurs ein Wahlpflichtangebot. 

Im Zusammenspiel werden wir verschiedenste Ideen zu einer musikalischen Aussage bündeln. Dazu sind gedankliche Flexibilität und Offenheit sowie Klarheit in der instrumentalen Umsetzung gefordert. Musikalische Strategien und Konzepte wie auch verschiedene Aspekte der Aufführungstechnik werden gemeinsam untersucht. Ebenso sollen ästhetische Überlegungen und Betrachtungen integriert werden. Des Weiteren werden grundlegende Zusammenhänge von Raum, Zeit, Bewegung und Klang erprobt.

"Die Kunst des Jägers besteht darin, unerreichbar zu werden. Unerreichbar zu sein bedeutet, dass man die Welt um einen herum nur wohldosiert berührt. Der Jäger ist unerreichbar, weil er seine Welt nicht auspresst, er berührt sie behutsam, verweilt so lange es nötig ist und entfernt sich dann schnell, fast ohne eine Spur zu hinterlassen." (C. Castaneda)

Praktische und strategische Übungen, Diskussionen, Reflexionen und Analysen zu Funktionen, (Spiel)Haltungen und Konzepten sowie Avant-Garde-, Metal- und ethnische Favoriten der letzten 100 Jahre aus den unergründlichen Tiefen meiner Festplatte sollen uns inspirieren und unsere Ohren schärfen.

Für Hauptfach-Studierende Improvisation obligatorisch. Max. 15 Teilnehmerinnen/Teilnehmer

Allgemeiner Beschrieb/General Description
Das Seminar findet einmal pro Semester statt und hat zum Ziel, Studierende der Studiengänge Komposition, Performance Zeitgenössische Musik bzw. Improvisation, Jazz und Audiodesign zu einer kreativen und experimentellen Zusammenarbeit anzuregen. Jede Durchführung widmet sich für einen ganzen Tag einem Thema der aktuellen zeitgenössischen Musikpraxis und wird kuratiert von einem Kompositions-/Improvisations-Dozierenden und Jürg Henneberger. Eine kurze Keynote am Morgen gibt eine inhaltliche Einführung, stellt zentrale ästhetische Positionen und Diskurse vor und leitet daraus eine konkrete Fragestellung ab. Anschliessend bilden sich aus den verschiedenen Studiengängen gemischte Teams, die während vier Stunden experimentell und künstlerisch an dieser Fragestellung arbeiten. Ergänzend steht allen ein Apparat mit exemplarischen Modellen zur Verfügung (Partituren, Texte und weiteren Materialien). Am Nachmittag werden die Ergebnisse im Plenum in Form einer kurzen künstlerischen Präsentation und eines Kommentars vorgestellt und gemeinsam diskutiert. Diese Präsentationen werden dokumentiert und die entwickelten Materialien archiviert, um die gewonnenen Erkenntnisse allgemein zugänglich zu machen.

The seminar takes place once per semester and aims to encourage students of composition, performance, contemporary music or improvisation, jazz and audio design to collaborate creatively and experimentally. Each performance is dedicated to a topic of contemporary music practice and is curated by a composition/improvisation lecturer and Jürg Henneberger. A short keynote in the morning gives an introduction to the content, presents central aesthetic positions and discourses and derives a concrete question from them. Subsequently, mixed teams are formed from the various study courses, which work on this question experimentally and artistically for four hours. In addition, an apparatus with exemplary models (scores, texts and other materials) is available to all. In the afternoon, the results will be presented to the plenary in the form of a short artistic presentation and a commentary followed by a discussion. These presentations will be documented and the developed materials archived in order to make the findings generally accessible.

1. Seminar: Sonntag, 10. Januar 2021, 10.00-18.00 Uhr
«Improvisieren mit extended techniques?»
Leitung: Jürg Henneberger und Andrea Neumann

2. Seminar: Sonntag, 25. April 2021, 10.00-18.00 Uhr
«extended composing – extended playing»
Leitung: Jürg Henneberger und Michel Roth

In den beiden Seminaren wollen wir die Rolle von «extended techniques» im zeitgenössischen Musik-Schaffen untersuchen. Von Interesse dabei sind die Unterschiede und Gemeinsamkeiten zwischen Komponist*innen, Interpret*innen und Improvisator*innen und ihrem spezifischen Umgang mit erweiterten Spieltechniken.
Wie kommen Komponist*innen auf Klänge, mit denen sie arbeiten wollen und wie notieren sie sie? Welchen Einfluss hat die Notation auf den auf den Kompositionsprozess? Bedeuten «extended techniques» auch ein «extended composing», ein Komponieren jenseits der üblichen Arbeitsteilung von «pre-forming» and «per-forming»?

Wie arbeiten Interpret*innen mit Angaben zu erweiterten Spieltechniken – kann man bei unbekannten Techniken wissen, was die Komposition vorsieht, ohne mit dem oder der Komponist*in zu sprechen? Gibt es in notierter Musik orale Traditionen in Bezug auf Nicht-Notierbares? Wie geht man mit «Unspielbarkeit» um?
Welche Rolle spielen «extended techniques» in Improvisationen? Werden sie im Vorfeld erforscht und geübt oder werden sie während des Spielens ge- und erfunden? Wie präzise lassen sie sich im Prozess des Improvisierens auswählen und einsetzen? Können die unterschiedlichen Herangehensweisen sich gegenseitig anregen und inspirieren?

In the two seminars we will examine the role of «extended techniques» in contemporary music creation. Of interest are the differences and similarities between composers, performers and improvisers and their specific approach to extended playing techniques.
How do composers come up with sounds they want to work with and how do they notate them? What influence does notation have on the compositional process? Do «extended techniques» also mean «extended composing», composing beyond the usual division of labour between «pre-forming» and «per-forming»?
How do performers work with information on extended playing techniques – is it possible to know what the composition is about without talking to the composer? Are there any oral traditions in notated music with regard to what cannot be notated? How do you deal with «unplayability»?
What role do «extended techniques» play in improvisations? Are they explored and practiced in advance or are they found and invented while playing? How precisely can they be selected and used in the process of improvising? Can the different approaches stimulate and inspire each other?

Verbindliche Anmeldung notwendig!
Richtzahl: 16 Teilnehmende, 4 Gruppen à 4 Teilnehmende; 4-8 Komponierende, 8-12 Performer (Klassik/Jazz/Improvisation/Audiodesign)
Anmeldeschluss: 25. Oktober 2020

Binding registration necessary!
Indicative number: 16 participants, 4 groups of 4 participants; 4-8 composers, 8-12 performers (classical music/jazz/improvisation/audio design)
Deadline for applications: 25 October 2020

Die Hauptfachstudierenden Improvisation haben die Gelegenheit während einer Woche intensiv im wunderschönen Konzertsaal und in den Ausstellungsräumen des Kirsten Kjaer Museum (KKM) nahe der dänischen Nordseeküste zu arbeiten und auch grenzüberschreitende Projekte, Installationen oder Projekte mit den im Museum residierenden bildenden Künstlern zu entwickeln. Hier sind Arbeitsprozesse möglich, wie sie sonst während eines Semesters nicht realisiert werden können. Jeden Abend gibt es ein Konzert für die Künstlerkolonie des KKM, und am Samstag findet ein Abschlusskonzert für eine breite Öffentlichkeit statt. Untergebracht sind alle im Gästehaus des KKM, gekocht wird selber.

Ausschliesslich für Hauptfachstudierende, obligatorisch.

Die Hauptfachstudierenden Improvisation haben die Gelegenheit während einer Woche intensiv im wunderschönen Konzertsaal und in den Ausstellungsräumen des Kirsten Kjaer Museum (KKM) nahe der dänischen Nordseeküste zu arbeiten und auch grenzüberschreitende Projekte, Installationen oder Projekte mit den im Museum residierenden bildenden Künstlern zu entwickeln. Hier sind Arbeitsprozesse möglich, wie sie sonst während eines Semesters nicht realisiert werden können. Jeden Abend gibt es ein Konzert für die Künstlerkolonie des KKM, und am Samstag findet ein Abschlusskonzert für eine breite Öffentlichkeit statt. Untergebracht sind alle im Gästehaus des KKM, gekocht wird selber.

Ausschliesslich für Hauptfachstudierende, obligatorisch.

INTERNATIONALER KOMPOSITIONSWETTBEWERB GEHT IM MÄRZ 2021 IN DIE 3. RUNDE

Nach einer erfolgreichen Durchführung des zweiten Basel Composition Competition (BCC) im Februar 2019, wird die dritte Ausgabe vom 3. bis 7. März 2021 unter der Leitung des Westschweizer Komponisten und Jurypräsidenten Michael Jarrell im Musik- und Kulturzentrum Don Bosco in Basel stattfinden. Bis zum 31. Juli 2020 haben Komponistinnen und Komponisten jeglichen Alters und jeglicher Nationalität erneut die Möglichkeit, sich auf der Webseite www.baselcompetition.com für den hochkarätigen Kompositionswettbewerb anzumelden und bis zum 16. Oktober 2020 ein neues, noch nicht aufgeführtes Werk für Kammer- oder Sinfonieorchester einzureichen. Der Basler Musikmanager Christoph Müller, welcher den BCC in Zusammenarbeit mit der Paul Sacher Stiftung 2015 ins Leben rief und durchführt, beabsichtigt damit, die weltweit spannendsten Komponistinnen und Komponisten nach Basel zu holen und deren Werke durch Basler Orchester uraufführen zu lassen. Der Wettbewerb steht damit ganz im Geiste des Wirkens des im Jahre 1999 verstorbenen Basler Dirigenten und Mäzens Paul Sacher (1906-1999). Die Jury setzt sich neben Jurypräsident Michael Jarrell zusammen aus der Komponistin Unsuk Chin, den Komponisten Beat Furrer und Andrea Scartazzini sowie dem Direktor der Paul Sacher Stiftung, Felix Meyer. Die nominierten Werke werden im Rahmen eines öffentlichen Wettbewerbs in vier Konzerten vom Kammerorchester Basel, dem Sinfonieorchester Basel und der Basel Sinfonietta aufgeführt. Die drei besten Kompositionen werden im Rahmen eines Final-Konzerts am 7. März 2021 ausgezeichnet und erhalten Preisgelder von insgesamt CHF 100 000.-, darunter ein Publikumspreis, der 2021 in Kooperation mit Radio SRF2 Kultur erstmals vergeben wird. Für die dritte Ausgabe soll in Zusammenarbeit mit der Hochschule für Musik FHNW für die Studierenden ein neues Angebot in Form von Workshops und Vorkonzerten ins Leben gerufen werden.

ATTACCA ist das Festival für aktuelle Musik an der Hochschule für Musik in Basel. In ihren Masterrecitals präsentieren die Studierenden der Bereiche Audiodesign, Improvisation, Komposition und Zeitgenössische Musik aktuelle Musik in all ihren Facetten. Mit ebenso grosser Leidenschaft wie Perfektion brechen die jungen Musikerinnen und Musiker mit alten Hörgewohnheiten, loten die ganze Bandbreite zeitgenössischen Musikschaffens aus und garantieren extravagante Konzertprogramme auf höchstem künstlerischen Niveau. Zeitgenössischen Kompositionen der letzten Jahrzehnte stehen ebenso auf dem Programm wie neue Werke der jüngsten Komponistinnen- und Komponistengeneration, multimediale Performances, Solo- und Ensemble-Improvisationen und Installationen.

Programm 2019

Programm 2018

Programm 2017

Programm 2016

Erarbeitung des abendfüllenden neuen Werks ‘Failing Better’ von und mit Fred Frith, komponiert für die Studierenden der Master Improvisation und Performance Zeitgenössische Musik. Kompositionsauftrag von sonicspacebasel und der Musik-Akademie Basel.

Überläufer* – eine performative Klang-Raum-Komposition von Studierenden der FHNW

Alle Grenzen sind fiktiv. Ob es sich um die Grenzen zwischen Ländern oder Kontinenten handelt, die Grenze zwischen ethnischen Gruppen oder diejenigen zwischen den sogenannten Klassen: sie sind Konstruktionen einer nach Ordnung und Unterteilung strebenden Sprache. 

Grenzen zwischen den Künsten, zwischen Kultur und Natur, auch zwischen belebter und unbelebter Materie machen sich vor allem dadurch bemerkbar, dass sie zunächst von Ausnahmen perforiert scheinen und – je näher man sie betrachtet – immer unschärfer werdend schließlich nur noch als willkürliche Schneisen in einem Kontinuum erscheinen.

Umso intensiver wird von jenen, die die Grenzen aufrechterhalten wollen, versucht, sie zu naturalisieren. Man habe etwas «im Blut» oder «in den Genen», «weibliche Intuition» und «männlicher Trieb» sind ebenso von «Experten» abgesegnete «Urinstinkte» wie der Begriff der «Naturvölker» sich in Diskussionen über Unterschiede verschiedener Menschengruppen standhaft hält.

Kulturelles zu naturalisieren, ist ein strategisches Element, um Verhältnisse zu wahren. Das bekommen vor allem jene zu spüren, die gegen diese Dualismen «wir» und «ihr» verstoßen wollen. Jene Überläufer*, die sich mit dem Stand in der Gesellschaft nicht zufrieden geben, die den ihnen zugeschriebenen Eigenschaften nicht entsprechen und sich entschließen, ihr Land, ihre Klasse, ihr Geschlecht zu verlassen und so erst den Wandel und Austausch im Fluss halten, der die gesellschaftlichen Strukturen, wie wir sie kennen, aufrecht erhält.

Überläufer* ist eine künstlerische Auseinandersetzung von über 30 Studierenden der Hochschule für Musik und der Hochschule für Gestaltung und Kunst, deren unterschiedliche Ansätze, über Migration, Wandlung und Alteration in einer Klang-Raum-Komposition aufeinandertreffen und sich gegenseitig befruchten. Das Musikalisieren des Raumes und die Verräumlichung der Musik, die Verflüssigung künstlerischer und biographischer Positionen sind Knotenpunkte, um die herum sich ein Netzwerk aus Interessen spannt, das sich einer Vereinheitlichung sowohl verweigert ebenso wie es die Gemeinsamkeiten umarmt.

Hannes Seidl

Aufführungsort
Zollhalle, Bahnhof St. Johann, Saint-Louis-Strasse 19, 4056 Basel

Ein Kooperationsprojekt der Hochschule für Musik FHNW und des Instituts Innenarchitektur und Szenografie, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW

Leitung
Hannes Seidl, Komponist für Neue Musik, Festival ZeitRäume/HSM, Prof. Andreas Wenger, Institut Innenarchitektur und Szenografie HGK

Projektmanagement
Jessica Ridolfi, HGK
Meike Olbrich, HSM

Produktionsleitung
Martina Ehleiter

Festival ZeitRäume
Anja Wernicke, zentrale Produktionsleitung

Studierende der Hochschule für Musik FHNW
Alicja Pilarczyk, Pablo Gonzalez, Nejc Grm, Adrian Albaladejo, Chris Moy, Roberto Maqueda, Jan Gubser, Florian Röhrl, Chi Him Chik, Christian Moser, Bella Adamova, Dimos Vryzas, Verena Weinmann, Dativo Tobarra

Studierende Innenarchitektur und Szenografie, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW
Loris Urban Aebli, Umaj Barth, Marlene Dietsche, Tabea Eisenring, Giulia Furrer, Rahel Güntert, Alex Herbst, Ying-Hua Huang, Carole Huber, Noëlle Hutmacher, Aline Karg, Adrian Möri, Lukas Müller, Celine Müller, Leonie Ottiger, Kevin Peterhans, Alice Schwarz, Fiona Stöss, Mithusa Subramaniam, Anouk Urben, Emily Vollmer, Noemi Widmer

Enno Poppe (*1969) studierte Dirigieren und Komposition an der Hochschule der Künste Berlin, u.a. bei Friedrich Goldmann und Gösta Neuwirth. Es folgten weiterführende Studien im Bereich Klangsynthese und algorithmische Komposition an der TU Berlin und am ZKM Karlsruhe. Seit 1998 ist er Dirigent des ensemble mosaik, zudem dirigiert er regelmäßig das Klangforum Wien, das Ensemble Musikfabrik und das Ensemble Resonanz. Nach einer Lehrtätigkeit an der Hochschule für Musik Hanns Eisler in Berlin (2002-2004) unterrichtete Enno Poppe zwischen 2004 und 2010 mehrfach bei den Darmstädter Ferienkursen für Neue Musik und den Kompositionsseminaren der Impuls Akademie in Graz.

Kompositionsaufträge
Kompositionsaufträge erhielt Enno Poppe unter anderem von den Salzburger Festspielen, dem Ensemble intercontemporain, den Berliner Festspielen, den Donaueschinger Musiktagen, dem Musée du Louvre, der Musikbiennale (München) und den Festivals musica viva (München), MaerzMusik (Berlin), Wittener Tagen für Neue Kammermusik, Ultraschall (Berlin) und Èclat (Stuttgart). 

Interpret/innen
Zu den Interpreten seiner Werke zählen u. a. das Arditti Quartet und das Kairos-Quartett, Dirigenten wie Pierre Boulez, Susanna Mälkki, Emilio Pomárico und Peter Rundel sowie Orchester wie das SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, das Los Angeles Philharmonic Orchestra, das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin, das BBC Scottish Symphony Orchestra, das hr-Sinfonieorchester Frankfurt und die Junge Deutsche Philharmonie. Zu den Ensembles, die Enno Poppes Musik regelmäßig aufführen, gehören das Ensemble intercontemporain, das Ensemble Modern, London Sinfonietta, das Ensemble Resonanz, Klangforum Wien, das ensemble mosaik, das Ensemble Contrechamps, das Ensemble Musikfabrik, das Ensemble 2e2m, das SWR Vokalensemble und die Neuen Vokalsolisten Stuttgart.

Stipendien, Preise und Auszeichnungen
In den Jahren 1992, 1995 und 1998 erhielt Enno Pope Berliner Senatsstipendien für Komposition, 1994 ein Musikstipendium der Märkischen Kulturkonferenz. 1998 wurde ihm der Boris-Blacher-Preis verliehen. 1999 folgte eine Einladung zum Komponistenseminar Boswil, 2001 ein Stipendium der Wilfried-Steinbrenner-Stiftung. Im selben Jahr erhielt er den Kompositionspreis der Stadt Stuttgart für Knochen. 2002 wurde er mit dem Busoni-Kompositionspreis der Berliner Akademie der Künste ausgezeichnet, weitere Stipendien erhielt er von der Akademie Schloss Solitude und der Villa Serpentara in Olevano Romano. 2004 folgte der Förderpreis der Ernst-von-Siemens-Musikstiftung, 2005 der Schneider-Schott-Musikpreis, 2006 der Förderpreis Musik der Akademie der Künste Berlin. Im Jahr 2009 erhielt Enno Poppe den Kaske-Preis der Christoph-und-Stephan-Kaske-Stiftung in München, 2011 den HappyNewEars-Preis der Hans und Gertrud Zender-Stiftung und 2013 den Hans-Werner-Henze-Preis. Seit 2008 ist er Mitglied der Akademie der Künste (Berlin), seit 2009 Mitglied der Nordrhein-Westfälischen Akademie der Wissenschaften und der Künste und seit 2010 Mitglied der Bayerischen Akademie der Schönen Künste in München.

Weitere Informationen

'Fokus Holliger'

24.11.2019, 17 Uhr, Neuer Saal und Vera Oeri-Bibliothek der Musik-Akademie Basel
Festivaleröffnung und Vernissage der Ausstellung «HEINZ HOLLIGER – RÄUME»

25.11.2019-7.3.2020, Vera Oeri-Bibliothek der Musik-Akademie Basel
Ausstellung «HEINZ HOLLIGER – RÄUME»

30.11. und 1.12.2019, 20 Uhr, Gare du Nord
«Heinz Holliger zum Achtzigsten»
Konzert Ensemble Phoenix Basel
Werke von Veress, Wildberger, Holliger
Einführung 19 Uhr mit Andreas Traub/Jürg Henneberger

16.12.2019, 19 Uhr, Klaus Linder-Saal der Musik-Akademie Basel
Interpretationsforum zu Heinz Holligers Atembogen mit Michael Kunkel

18.12.2019, 19.30 Uhr, Martinskirche Basel
«Atembogen»
Konzert Kammerchor und Orchester der Hochschule für Musik FHNW
Werke von Ravel, Schumann und Holliger

17.1.2020, 18.30-1.00 Uhr, Vera Oeri-Bibliothek der Musik-Akademie Basel
Veranstaltungen zur Ausstellung «HEINZ HOLLIGER – RÄUME» im Rahmen der Museumsnacht

25.1.2020, 19.30 Uhr, Grosser Saal der Musik-Akademie Basel
Abschlusskonzert des Meisterkurses mit Heinz Holliger
Werke von Schumann, Ravel, Veress, Holliger u.a.

30.1.2020, 19.30 Uhr, Grosser Saal der Musik-Akademie Basel
astraHOLLIGER
Konzert Swiss Chamber Concerts
Werke von Schubert, Spohr, Wyttenbach, Holliger, Pagh-Paan, Hosokawa

2.2.2020, 19 Uhr, Musical Theater Basel
TAUSENDSASSA
3. Abo-Konzert der Basel Sinfonietta
Werke von Huber, Holliger, Wick
18.15 Uhr Konzerteinführung

25.2., 20 Uhr, Klaus Linder-Saal der Musik-Akademie Basel
Lecture-Recital zu Veress' 'Baron Münchhausen' mit Thomas Gerlich und Studierenden der Schlagzeugklassen von Christian Dierstein und Matthias Würsch

9.3.2020, 19.30 Uhr, Martinskirche Basel
«Holligers Schubert-Feyer»
Konzert Kammerorchester Basel
Werke von Schubert, Schoeck, Holliger, Moser
19 Uhr Einführung mit Roman Brotbeck

Stefan Prins, Jürg Henneberger, Holger Stenschke, Mitglieder des Collegium Novum Zürich, Studierende der Hochschule für Musik FHNW in Basel, Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Masterclasses, kuratiert von Stefan Prins und Jürg Henneberger

Mit Studierenden der Hochschule für Musik:
Elektronik: Jan Gubser
Perkussion: Fabio Santos
Klavier: Tsugumi Shirakura
Posaune: Daniil Gorokhov
Viola: Nora Vetter
Violoncello: Benjamin Coyte
Violine: Maria Muñoz Lopez

Zeitplan:
Call für Teilnehmer/innen zu Semesterbeginn

Teil 1: 15.10.2019, 14:00-17:00, Studio 1
Einteilung der Gruppen, die während des Prozesses von Dozierenden begleitet werden. Seminar zum Thema Composer-Performer-Zusammenarbeit.

Teil 2: Ca. 8 Wochen später, Ende November/Anfang Dezember
Die Skizzen der Komponierenden werden gespielt/vorgestellt und mit allen diskutiert.

Teil 3: 8. April 2020
Präsentation der Ergebnisse im Rahmen des AKUT-Konzerts

Weitere Informationen: Mike Svoboda, michael.svoboda@fhnw.ch

Im Rahmen der Donaueschinger Musiktage findet jährlich das Studierendenprogramm NEXT GENERATION statt. Die Studentinnen und Studenten erhalten die Gelegenheit, an Seminaren und Dialogen teilzunehmen, eigene künstlerische Ideen zu realisieren sowie die Konzerte der Donaueschinger Musiktage zu besuchen.

Gestaltet wird das Programm von einem Kuratorium der Basler Hochschule für Musik in enger Zusammenarbeit mit den Musikhochschulen von Luzern, Trossingen und Stuttgart und unter Mitwirkung der Forschungsabteilung der Hochschule für Musik sowie Dozierenden und Studierenden aus Basel.

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord - Bahnhof für neue Musik

Bekannte Instrumentalsolistinnen und -solisten stellen neue und neueste Werke in einem kommentierten Kurzkonzert vor. Ein Gespräch mit Marcus Weiss ergänzt den musikalischen Teil. So werden die sechs einstündigen Rezitals zu intensiven Begegnungen.

21.10.2019, Agata Zubel, Stimme, singt Werke von Werke von Berio, Viñao, Duchnowski und Zubel

9.12.2019, Teodoro Anzellotti, Akkordeon, spielt Werke von Cho, Gadenstätter, Pauset und Vassena

13.1.2020, Uli Fussenegger, Kontrabass, spielt Werke von Bach, Furrer, Kurtág und NN

23.3.2020, Seth Josel, Gitarre, spielt Werke von Ablinger, Lamb und Wolff

20.4.2020, Hannes Hellmann, Stimme, „Vortrag über nichts“ (1959) von John Cage

25.5.2020, Beatriz Elena Martínez, Stimme, singt Werke von Rincon, Koellreutter, Acosta R., Rasgado, Vargas, Paraskevaidis und Leguizamon 

Programm und Gespräch: Marcus Weiss

Beginn jeweils 20 Uhr
Gare du Nord
Schwarzwaldallee 200 (im Badischen Bahnhof) 
CH-4058 Basel

Preis: CHF 15.– (Freier Eintritt für Studierende der Hochschule für Musik FHNW)

Studierende des Masters Improvisation der Hochschule für Musik erarbeiten in einem Workshop mit dem Autor Juan S. Guse, dem Komponisten Daniel Mouthon und dem Profressor für Komposition Johannes Kreidler, verschiedene musikalische Herangehensweisen zu Guses dystopischem Roman «Miami Punk» (S. Fischer, 2019). Darin wurde Miami über Nacht zur Wüstenlandschaft. Auf der Folie dieses postapokalyptischen Chaos skizziert Guse, warum sich Menschen in digitale Räume zurückziehen. Was sich wie ein szeniger Nerd-Roman mit informatisch-apokalyptischer Atmosphäre liest, ist aktueller, als auf den ersten Blick gedacht: Es geht um unsere Beziehung zur Realität, um unser Verhältnis zur Arbeit und natürlich um Computerspiele. Und wie lässt sich dieser Text in Musik übertragen? Die Studierenden denken über das Verhältnis von klanglichem Approach und semantischer Ableitung nach. Passend zum Roman arbeiten die Improvisator*innen mit viel Elektronik. Mit unkonventionellen künstlerischen Resultaten ist zu rechnen. In Kooperation mit der Hochschule für Musik FHNW/sonic space basel.

Lesung und Konzert:
8.11.2019, 20.30 Uhr, Jazzcampus Club

Mit:
Angela Ida De Benedictis, Musikwissenschaftlerin, Paul Sacher Stiftung
Veniero Rizzardi, Musikwissenschaftler, Fondazione Archivio Luigi Nono ONLUS
Irene Lehmann, Theaterwissenschaftlerin
Olga Neuwirth, Komponistin
Uli Fussenegger, Kontrabassist, Leiter Neue Musik an der Hochschule für Musik Basel
Cornelius Bohn, Klangregie

Musik:
Luigi Nono:
Für Paul Dessau für Tonband (1974) – 7´
Omaggio a Emilio Vedova für Tonband (1960) – 5´
Ricorda cosa ti hanno fatto in Auschwitz für Tonband (1966) – 11´

Das erklärte Ziel von Luigi Nono war es, mit seinen Werken «das Ohr aufzuwecken, die Augen, das menschliche Denken». Im Rahmen des Revolutionsfrühstücks werden Aspekte des Schaffens Luigi Nonos in Ton, Bild und Wort beleuchtet. Angela Ida De Benedictis und Veniero Rizzardi, die zusammen Nonos Schriften in einerkritischen Ausgabe herausgebracht haben, sprechen über Al gran sole carico d´amore aus historischer Perspektive. Irene Lehmann geht der Frage nach, welchen Herausforderungen sich das aktuelle Musiktheater gegenübersieht. Angela Ida De Benedictis blickt anschliessend mit Olga Neuwirth auf das Musiktheater der Zukunft.

Projekt Harrison Birtwistle/John Dowland mit Studierenden des Masters Zeitgenössische Musik und Studierenden der Schola Cantorum Basiliensis, kuratiert von Mike Svoboda

Projekt Film und Musik live – Realtime Vertonung von ‘Dziga Vertov: The Man with the Movie Camera’, Studierende des Masters Improvisation mit Studierenden der Schola Cantorum Basiliensis und des Jazzcampus, kuratiert von Alfred Zimmerlin

Das Seminar findet einmal pro Semester statt und hat zum Ziel, Studierende der Studiengänge Komposition, Performance Zeitgenössische Musik bzw. Improvisation, Jazz und Audiodesign zu einer kreativen Zusammenarbeit anzuregen. Jede Durchführung widmet sich für einen ganzen Tag einem Thema der aktuellen zeitgenössischen Musikpraxis und wird kuratiert von einem Kompositions-/Improvisations-Dozierenden und Jürg Henneberger. Eine kurze Keynote am Morgen gibt eine inhaltliche Einführung, stellt zentrale ästhetische Positionen und Diskurse vor und leitet daraus eine konkrete Fragestellung ab. Anschliessend bilden sich aus den verschiedenen Studiengängen gemischte Teams, die während vier Stunden experimentell und künstlerisch an dieser Fragestellung arbeiten. Ergänzend steht allen ein Apparat mit exemplarischen Modellen zur Verfügung (Partituren, Texte und weiteren Materialien). Am Nachmittag werden die Ergebnisse im Plenum in Form einer kurzen künstlerischen Präsentation und eines Kommentars vorgestellt und gemeinsam diskutiert. Diese Präsentationen werden dokumentiert und die entwickelten Materialien archiviert, um die gewonnenen Erkenntnisse allgemein zugänglich zu machen.

1. Seminar:
Sonntag, 10. November 2019, 10:00-18:00 Uhr
Relations – Ideas: «The Predictable and the Unpredictable»
Leitung: Jürg Henneberger und Alfred Zimmerlin

«Eine der grössten Stärken des Tanzes ist dies: Wenn man zwei Personen, die zwei verschiedene Tänze zeigen, nebeneinanderstellt, werden wir fast immer eine Beziehung zwischen den beiden Dingen finden, die wir sehen – wir werden sie sogar geniessen.

Aber wenn fast jede Beziehung zwischen den Ereignissen funktioniert, warum sollte ich mich dann um die Beziehungen kümmern, die ich beobachte?

Einige Beziehungen lassen uns sehr wohl darauf achten.»

Diese Beobachtung von Jonathan Burrows in seinem A Choreographers Handbook ist auch improvisierenden Musikerinnen und Musikern vertraut. Im Seminar sprechen wir über die Qualität von Beziehungen von musikalischen Ereignissen zueinander und entwerfen eigene Improvisationskonzepte, welche sich auf Hör-Beziehungen fokussieren.

Anmeldeschluss: 29. September 2019

2. Seminar:
Sonntag, 26. April 2020, 10:00-18:00 Uhr
«signaling and screening»
Leitung: Jürg Henneberger und Michel Roth

Das Seminar erarbeitet Grundlagen der Kommunikationstheorie (u.a. Shannon/Weaver) und zeigt bisherige Anwendungen in der ästhetischen Praxis (u.a. Bense, Wolff, Globokar, Wüthrich, Saunders, Walshe). Anschliessend arbeiten 4-5 Gruppen an je einem Werk (Partitur-basiert, konzeptuell oder algorithmisch) und entwickeln auf dieser Basis eigene experimentelle Versuchsanordnungen, wie man Formen der Informationsübertragung kompositorisch und performativ nutzen kann. Im abschliessenden Plenum werden die zugrundeliegenden Werke und die daraus abgeleiteten Erweiterungen vorgestellt und diskutiert.

Anmeldeschluss: 8. März 2020

Verbindliche Anmeldung notwendig!

Richtzahl: 16 Teilnehmende, 4 Gruppen à 4 Teilnehmende; 4-8 Komponierende, 8-12 Performer (Klassik/Jazz/Improvisation/Audiodesign)

In diesem Workshop werden künstlerische Zusammenhänge von improvisierter Musik und der Wahrnehmung des Raumes und der Bewegung des eigenen Körpers erforscht.
In der Zusammenarbeit von TänzerInnen und MusikerInnen spüren die VertreterInnen beider Sparten intuitiv, dass sie einander in hohem Masse inspirieren.
Diese gegenseitige Inspiration wird in diesem Kurs anhand einiger konkreter Themen genauer untersucht. ‚Improvisierte Musik’ wird aus der Perspektive des Tanzes betrachtet.

Mitwirkende:

Jean-Pierre Peuvion, Roberto Fabbriciani, Felix Renggli, Pierre Bartholomée, Gabriele Bonomo, Angela Ida De Benedictis, Pascal Decroupet, John Dack, Volker Böhm, Claire Lindquist, Studierende der Hochschule für Musik FHNW in Basel, kuratiert von Angela de Benedictis und Uli Fussenegger

In diesem Seminar geht es zum einen um die Stärkung und Sichtbarmachung der individuellen Positionen jeder/s einzelnen Beteiligten in der Gruppe. Darum, Wege zu finden, aus der Position jeder/s Einzelnen Spielregeln für die Gruppe zu entwickeln und davon einen Gruppensound abzuleiten. Bevor ein kleinster gemeinsamer Nenner gesucht wird, wird also jeder einzelne „Nenner“ erst einmal für sich wahrgenommen.

I care if you listen calls the music of Fredrick Gifford (b. 1972) “a world of characters and colors that explode from the stage.” His works explore different kinds of openness to create pieces that are never the same twice. They have been heard in concerts and radio broadcasts in Europe, Asia and the Americas, performed by groups including International Contemporary Ensemble (ICE), Kairos Quartett, Ensemble dal Niente, Quince Contemporary Vocal Ensemble, Spektral Quartet and Collect/Project. Festival appearances include Resonant Bodies, Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik, Festival Internacional de Música Contemporánea (Mexico), Darmstadt Ferienkurse, soundSCAPE (Italy), ANODE, Aspen Music Festival and Ear Taxi.

Commissions, grants and support for performances have come from institutions including: Arts Council of Illinois, Art Institute of Chicago, Associação Musical Pro-Organo, Chicago Academy for the Arts, Harris & Wyatt Funds, Juilliard School and Department of Cultural Affairs and Special Events, Chicago. Recent and upcoming projects include the ongoing “mobile” series with Kevin Harrison and Matthew Oliphant; 100 Not-songs for JOHN CAGE, a collaboration with soprano Tony Arnold and video artist Ross Karre; and Difficult Grace, a collaboration with Seth Parker Woods and the Seattle Symphony's new performance space: Ocatave 9 . Gifford’s music has been recorded on Numérica (2012), by Hasco Duo (2014) and Mabel Kwan (2015).
 
Since 1997, Gifford has lectured in music (composition, analysis, musicianship, history), serving on the faculties of the Schools of Music at DePaul and Northwestern Universities in the United States as well as the Escola Superior de Música e das Artes do Espectáculo in Porto, Portugal. He has been involved with musical recordings since 2001, both as a performer, recording on Centaur Records, and as a musical producer, overseeing many world-premiere recordings of music spanning the Renaissance to the present.

​

Fredrick Gifford holds a Bachelor’s degree in composition from DePaul University and completed his graduate studies at Northwestern University, receiving the Doctor of Music degree in 2000. Additional compositional studies have been with Harrison Birtwistle, Luca Francesconi, Pauline Oliveros and Bent Sørensen.

Die Sudienwoche findet im Konzertsaal und in den Ausstellungsräumen des Kirsten Kjaer Museum (KKM), Langvad, Frøstrup, nahe der dänischen Nordseeküste statt.
Mit Studierenden des Masters Improvisation, kuratiert und geleitet von Alfred Zimmerlin
Kooperation mit dem Kirsten Kjaer Museum